一方、西洋美術の日本社会への浸透は、その社会政治的な動向と一致している。第二次世界大戦が終わるとそれは日本社会の集団意識を変えることとなる。

　戦後、日本人の抱いた「世界を感じる」方法は、ます何よりも、それまで彼らに関係がなく理解するのも難しいとされていた他の美術の公理－表現方法－を受け入れることであった。

　云ってみれば、それまでとは美術の世界の事象が、逆になってしまったのだ。モシハポニスモ（日本趣味）というものが、19世紀末のヨーロッパ人による東洋美術の発見であったならば、今度は日本社会が現代を表すものとしてのエウロッペイスモ（西洋趣味）を取り入れることとなったのである。

また、日本が経済的に覇権を手にしたことは「メイドインジャパン」製品を国際市場の主役にすることに役立ったばかりでなく、それによって多くの新世代の日本人は視覚的な面だけでなくより広い世界を捉えることを可能にした。その結果、他の匡と同様、東京でも西洋絵画の重要な展覧会が開かれ始めている。フランス印象派、ドイツ表現派、それにピカソ、ミロ、ダリ、ファン・グリス、タピエス、あるいはアントニオ、クラベー（彼の作品は、その最初の東京への旅以来、ハポニスモの影響を受けている）といったスペインの大画家達の名が大きな美術館同様個人画廊でも魅力あるポスターを飾っている。

　そうした新しい美術感覚（動向）への道を拓いた美術館、あるいは美術の普遍性を目指して設立されたフジ美術館のようなものも既に生まれてきている。

　70年代、新しい世代の画家や彫刻家達がヨーロッパ芸術の知識に無関係でなかったことがすぐに明らかになった。
　西洋美術の示唆に富む課題に彼らの芸術的感性は敏感に反応した。若手の芸術家のアラカワ・シューサク、ミウラ・ミツオ、クサマ・ヤヨイなどが今日既に国際的存在になっている。前者の二人は抽象的表現から研究を、三浦は魔術的レアリズムの表現をしばしば行っている。檜山健三も亦このような西洋的表現の影響を受けた代表的作家である。

　檜山健三は鋭い観察眼を持った疲れを知らぬ旅人で、再々全ヨーロッパを巡り歩くのみではなくそれを描いてきた。彼はヨーロッパを東洋的感性と西洋的「技法」で描いてきた。彼の色に対する鋭敏な目は、風景に着目し、彼の特技ともいうべき職人のていねいさで、自然の形や色といった外見ばかりでなく、その本質をとらえて描き出している。

　檜山健三は最初彼の絵を、1971年私にみせてくれた。以来25年が経つが、彼は日本で展覧会を開く度に、その作品をカタログや絵はがきで知らせてくれた。また、彼がスペインを旅する度に、その最近作を見せてもらうという光栄に浴したが、その円熟味を増した芸術は個性的になり、やがて確固たるものになってゆくことを知り、喜ばしく思った。彼の描く風景は、いかに周りにある余分なものを取り去って、光と色と形そのものを描いているかを確認することが出来、それはまさに自然そのものの本質のみを描き出している。

　彼は自然の静寂を描いている。静かな自然自体、それは人間とは無関係である。なぜなら檜山健三の絵の中で何か特別に強く注意を惹くものがあるとするならば、それは人物が描かれていないことであるー例外もあるが、例外だからいっそう印象的であるー。

　即ち、彼の描く舞台に於いて、人物はいつも無言で孤独である。普通、彼の描く舞台には人物はいない。多分曾てはいた、又それまでいたのかもしれない。彼の風景の中にあるものは、人間が残したその形跡―村や町の建造物、田園など―それは、常に誰かそこを通った人の形跡であるが、その人はもはやその場にはいないのだ。

だから我々は檜山健三がもう人間を描くのを止めてしまったとさえ考える。彼の絵画にとって人間は必要な要素ではない。彼は空気、形、色を描く。風景が持つ静けさを妨げるどのような物も人も欲しくないように思われる。二次元のカンバスの中に繊細に捉えられた清明な大気をこわすなにものも欲していないようだ。風景は風景そのものとして存在する。我々鑑賞者にとって興味のあることはその孤独なる静寂さが造形的美しさにあふれいることを知ることにある。

［マヌエル・アルセ］